„So haben wir dich nicht erzogen“ (BR, ORF / Cult Film) ist eine pointierte Zeitgeist-Komödie über Rollenbilder, Queerness und „Political Correctness“. Zwei engagierte Mütter und ihre Bilderbuch-Tochter taumeln ins Chaos, als die flügge gewordene junge Hedwig aus dem Alltag im reinen Frauenhaushalt ausbrechen und einen Mann heiraten will, der so gar nicht ins Weltbild ihrer Feministinnen-Eltern passt. Komödien-Spezialist Michael Kreihsl hat nach dem Drehbuch von Uli Brée ein amüsantes und kurzweiliges Spiel voller witziger Wendungen, aufgedeckter Familiengeheimnisse und kollidierender Weltbilder in Szene gesetzt und ein fein-sinniges Comedy-Kammerspiel geschaffen, das auch von seinen starken HauptdarstellerInnen, Brigitte Hobmeier, Gerti Drassl, Thomas Mraz, Alina Schaller und Wolfgang Böck profitiert.

„Was wir fürchten“ ist nach „Was wir verbergen“ der zweite Fall der neuen ZDF/Arte-Krimi-Reihe „Katharina Tempel“ (Network Movie). Die Titelheldin rollt einen Mordfall noch einmal auf, weil sie sich sicher ist, dass ihr befreundeter Kollege einseitig ermittelt hat. Auch privat scheint sie eine größere Klarheit gewonnen zu haben, wie sie mit ihrem gewalttätigen Ehemann, zugleich Staatsanwalt, verfahren wird. Katharina Tempel ist eine Frau um die 40, der durch ihre Lebens- und Berufserfahrung nichts Menschliches fremd ist. In der Kombi mit Ausnahme-Schauspielerin Franziska Hartmann bringt die Figur die idealen Voraussetzungen für eine Krimi-Reihe mit, die das Zeug besitzt, an die große Frauen-Krimi-Tradition im ZDF mit einem zeitgemäßen Format anzuknüpfen. Ob im Detail oder makrodramaturgisch machen die ersten beiden Filme alles besser als die Business-as-usual-Krimis im ZDF. Neben dem dichten Drehbuch von Elke Rössler, in dem Krimi und Drama eng verknüpft sind und alle Figuren untereinander in vielfältigen Beziehungen stecken, trägt zum guten Flow auch die bildstarke Inszenierung von Jens Wischnewski bei. Und Filme, in denen Fotos die entscheidende Rolle spielen beim Aufklären eines Mordes, sind nie die schlechtesten.

Die dritte und vierte Episode der Reihe mit Bettina Zimmermann und Meriel Hinsching als charakterlich äußerst unterschiedliche Tierärztinnen leben erneut vor allem von den beiden Hauptdarstellerinnen. In der in sich abgeschlossenen Episodenhandlung von „Pferdeliebe“ geht es um eine ehrgeizige junge Springreiterin. Die Botschaft: Pferd sind keine Sportgeräte. In „Neues Glück“ wird aus der Behandlung eines Kaninchens eine Familientherapie: Ein Mann und eine Frau bringen jeweils ein Teenager-Kind in die Beziehung mit, aber das Patchwork scheitert schon im Ansatz. Die konventionellen Inszenierungen orientieren sich wie schon der zweiteilige letztjährige Auftakt an den Standards des Sendeplatzes, die Geschichten aber sind interessant; auch die schauspielerischen Darbietungen sind durchweg ansprechend.

Die 1980er Jahre als das Jahrzehnt von Simulation & Mode: das Leben eine Inszenierung, Kommunikation ein Rollenspiel, ein Tanz der Zeichen – und mittendrin ein Prominenter, der das alles verkörpert. Alexander Adolph liest die Biographie von Rudolph Moshammer gegen den Strich der TV-Konvention, schlachtet weder Tod noch Trieb des exzentrischen Modemachers aus, sondern entwickelt ein Zeitgeist-nahes Psychogramm seines Helden, indem er das Wesen jenes Jahrzehnts, jene Jubeljahre eines obszönen Kapitalismus‘, sich in der Geschichte und dem klug reduzierten Personal spiegeln lässt. Und so ist „Der große Rudolph“ (ARD / Producers at work) eine fein ziselierte, köstlich gespielte, wunderbar wendungsreiche Gesellschafts-Satire geworden in der Tradition von Wedel & Dietl, mit dem Unterschied, dass Adolph, keinen figurenintensiven Zeithorizont entwickelt, sondern lieber im Detail das Wesen jener postmodern-narzisstischen Epoche (die nachwirkt) in seine Tragikomödie einarbeitet. Eine Aschenputtelfigur gibt es auch noch. Das wirkt klein und ist doch großes Fernsehen.

In dem vor allem von Peter Kurth und Tobias Moretti ungemein gut gespielten und zunehmend intensiven Krimi-Drama „Im Abgrund“ (Degeto / Wüste Medien) geht es letztlich um die Frage, ob der Zweck jedes Mittel heiligt: LKA-Kommissar Wallat soll den entlassenen Kindermörder Hagenow observieren. Eines Nachts nutzt der Mann einen Moment der Unachtsamkeit. Am nächsten Tag ist erneut ein kleiner Junge verschwunden, und Wallat und seine noch skrupellosere junge Kollegin überschreiten eine rote Linie, um Hagenow dazu zu bringen, das Versteck des Kindes zu verraten; die Schuld des Mannes steht allerdings keineswegs fest. Regisseur Stefan Bühling kann es sich sogar leisten, auf typische Thriller-Elemente zu verzichten, weil schon allein das darstellerische Duell für große Spannung sorgt. Der besondere Reiz der Geschichte liegt im Rollentausch: Moretti verkörpert den mutmaßlichen Mörder durchaus sympathisch; es sind die Guten, die sich böse verhalten.

„Rebenblut“, der zweite neue „Bozen-Krimi“ (Degeto / Letterbox) aus dem Jahr 2026, ist nicht so fesselnd wie der erste, gewährt jedoch interessante Einblicke in die Rahmenbedingungen der vom Klimawandel betroffenen Weinproduktion. Die Bildgestaltung ist zwar erneut sorgfältig und in den größeren Episodenrollen mit Karl Fischer, Ulrike C. Tscharre und Anna Unterberger gut besetzt, allerdings gibt es bei den kleineren Rollen darstellerische Schwächen.

Der Mann ist ein Wrack, aber als er erkennt, dass er als Figur in einem abgekarteten Spiel missbraucht werden soll, erwachen seine Lebensgeister: Die Hauptfigur von „Blutholz“ (ZDF, Arte / Schiwago Film) ist eine Rolle wie geschaffen für Joachim Król. In dem sehenswerten Öko-Krimidrama spielt er einen Trinker mit Jugendtrauma, der in seine einstige rumänische Heimat zurückkehrt, um nach dem verschwundenen Manager einer deutschen Holzfirma zu suchen. Subthema des Films ist ein Umweltskandal, der hierzulande kaum zur Kenntnis genommen wird: In Rumänien werden für deutsche Möbel ganze Wälder abgeholzt. In erster Linie handelt der Film aber von der Konfrontation eines abgestürzten Mannes mit den Dämonen seiner Jugend; und vom Wiedersehen mit seiner einstigen großen Liebe. Wie gut das Rumänisch der deutschen Mitwirkenden ist, müssen Einheimische beurteilen; es klingt jedenfalls sehr überzeugend.

Der posthum erschienene Roman von Siegfried Lenz, „Der Überläufer“, erzählt von den Irrungen und Wirrungen eines deutschen Soldaten in den Jahren 1944/45, die darin gipfeln, dass dieser junge Mann die Wehrmachtsuniform ablegt und zur Roten Armee überläuft. Das utopische Potenzial – die Liebe als letzter Hoffnungsschimmer, die friedliche Vereinigung über nationale Grenzen hinweg, die Erhebung des Individuums über die Ideologie einer Gesellschaft – hat die sehr sehenswerte zweiteilige Verfilmung (NDR, Degeto, SWR / Dreamtool Entertainment) nun noch eine Spur deutlicher ins Zentrum der Geschichte gerückt. „Der Überläufer“ zeichnet den Zweiten Weltkrieg nicht (abbild)realistisch nach; vielmehr finden Bernd Lange und Florian Gallenberger wie schon Lenz für den endzeithaften Schlussakkord dieses Krieges eine Bilder- und Figuren-Landschaft, die von Anfang an den Zuschauer in den Film gleichermaßen hineinzieht wie auf Abstand hält. Kann man im Krieg ein anständiger Mensch bleiben? Gibt es ein richtiges Leben im falschen? Das sind die zeitlosen Fragen, die der Film u.a. aufwirft. Dafür findet er sowohl die richtige Dramaturgie als auch die passende Bildsprache: Der Erzählstil ist ruhig, szenisch und zugleich sehr filmisch. Vor allem aber ist dieser Anti-Kriegsfilm ein großartiger Schauspielerfilm.

Das späte Glück eines Paars steht auf dem Spiel. Nach dem Hirnschlag des Mannes, erfährt die Frau nach und nach, wer ihr Liebster eigentlich ist. Wird ihre Beziehung eine Zukunft haben oder hat die Vergangenheit die älteren Rechte? Thomas Bergers Fernsehfilm „Der Verlust“ nach dem gleichnamigen Roman von Siegfried Lenz erzählt von dem, was bisher unausgesprochen geblieben ist zwischen zwei Menschen, die sich offenbar lieben. Der beziehungsfilmgeneigte Zuschauer, der gern beobachtet und Schicksalgeschichten zuhört, findet in diesem ZDF-Drama viel Stoff zum Nachdenken über das Wesen der Liebe.

Nach dem in diesem Jahr Grimme-Preis-gekrönten Drama „Hanne“ hat Beate Langmaack zum zweiten Mal ein brillantes Drehbuch passgenau auf Iris Berben zugeschrieben, die am 12. August ihren Siebzigsten feiert. „Mein Altweibersommer“ unterscheidet sich wohltuend von den Das-kann-doch-noch-nicht-alles-gewesen-sein-TV-Dramoletts, in denen langweilige Göttergatten meist die rote Karte gezeigt bekommen. Die Hauptfigur hat keinen Grund, ihren Mann zu verlassen. Es ist auch nicht der andere Mann, dessen Verführungskünsten sie erliegt, nein, es der Wert der neuen Erfahrung, dieser Auszeit, die sie sich nimmt, um über die Sinnlichkeit des Augenblicks hinaus zu erkennen, wo sie momentan steht im Leben und wo sie noch hin möchte… Auch ästhetisch ist Berbens ARD-Geburtstagsfilm überaus gelungen: die Sprache wohl dosiert, die Dialoge knapp & intelligent pointiert. Fein austariert ist auch das Verhältnis zwischen Wort und Bild. Dustin Loose hat mit Hilfe seiner Gewerke einen liebevoll ausgestatteten Mikrokosmos erschaffen. Auffallend gut ist auch die Balance zwischen dem Mensch in der Landschaft (= die Signatur des realistischen Films) und einer Hauptfigur, die ganz bei sich ist. Das Ergebnis ist ein kraftvoller, poetischer Realismus.